<p>印度的莫卧儿王朝（1526–1857）以其艺术、建筑和装饰，尤其是珠宝的创造力、设计和奢华而闻名。这个时代融合了波斯、伊斯兰和印度的影响，以及精湛的工艺、对材料的深刻理解，以及对对称和平衡的关注，创造出了一些世界上最美丽的功能性和华丽物品。\n 这些文物目前在香港故宫博物院展出，作为 “香港赛马会系列：维多利亚和阿尔伯特博物馆的莫卧儿宫廷珍宝” 展览的一部分，展览将持续到 2026 年 2 月 23 日。展览围绕三位伟大的莫卧儿皇帝的统治而设计——阿克巴尔（1556–1605）、他的儿子贾汉吉尔（1605–1627）和孙子沙贾汉（1628–1658），并探讨他们的赞助如何通过珠宝、绘画、纺织品和建筑塑造宫廷的视觉文化。\n“莫卧儿设计具有独特的美感、复杂性和精致感，” 维多利亚和阿尔伯特博物馆（V&amp;A）南亚策展人艾米莉·哈南（Emily Hannam）表示。“我们可以将其归功于这些创作者的巨大创造力和技艺，但也要归功于支撑这一切的整个经济生态系统。”\n 在其巅峰时期，莫卧儿帝国的疆域从南印度延伸到现代的喀布尔，横跨古吉拉特到孟加拉国。直到 18 世纪，它负责全球 28% 的工业产出，其经济超过了中国的清朝和欧洲，导致了一个富裕的皇家宫廷。\n“其复杂性和精致感是无可比拟的。今天印度最优秀的珠宝商和设计师会告诉你，重现 17 世纪莫卧儿设计的最佳范例是不可能的，因为那些技能 [和生态系统] 已经不存在了，” 哈南补充道。\n 然而，这并没有阻止今天的珠宝设计师继续传承莫卧儿设计的遗产，无论是通过尊重传统技艺，采用全球化的珠宝制作方法，还是将真实历史融入独特的作品中。\n 伦敦 Kastur Jewels 的创始人拉吉维·沃拉（Rajvi Vora）深受传统珠宝的影响，这也是她 13 年前开始制作珠宝的一个关键原因。她的作品将过去的辉煌与现代的可穿戴性结合在一起，并与 V&amp;A 合作了七年，为博物馆开发独家系列。\n“我使用的其中一种技术 [来自莫卧儿时代] 是 kundan，我们用未切割的钻石，称为 polki，” 沃拉谈到她的畅销设计。Kundan 使用非常精炼的纯金，这意味着你可以仅通过施加压力将宝石固定到位。“这项技术实际上只在拉贾斯坦州，[更具体地说] 在斋浦尔进行，我认为它仍然是如此原始——尽管它是一项 500 年的技术。”\n 沃拉经常使用的另一种技术是 meenakari，这是一种色彩丰富的珐琅工艺，起源于古波斯，并在 16 世纪的萨法维王朝时期蓬勃发展。“我们创造的作品已经 [稍微] 现代化，但并没有过多改动——它们仍然保留着那种老派的感觉。我坚信 [传统] 技艺永远不会过时。它们是永恒的。”\n 在莫卧儿王朝的早期，工坊是受过不同传统训练的艺术家的熔炉。这种将文化融合以创造珠宝的前卫方法是他们设计至今仍然引起共鸣的另一个原因。\n“你有伊朗艺术家带来波斯图案，还有来自中亚和欧洲的移民艺术家，” 哈南说。“然后新的材料 [如翡翠和绿宝石] 在贾汉吉尔的统治时期开始被使用。”\n 总部位于香港的萨吉里·达亚尔（Sagiri Dayal）在为她的同名品牌设计时具有国际视野，类似于莫卧儿的设计方法。她并不单纯制作历史参考，而是发展出自己极简主义和多元文化的风格，模仿那个时期的混合性。\n 达亚尔的多样化作品通过她对对称的关注得以和谐统一——这是一种固有的莫卧儿特征。“莫卧儿建筑的比例和视觉吸引力是壮观的，这影响了珠宝的设计，既美丽又非常平衡，” 她说。\n“当我 17 年前开始我的生意时，我从翡翠和中国结开始，这让我着迷。然后我开始添加我旅行中的元素：来自泰国的银、来自印度尼西亚的雕刻金珠、来自中国的景泰蓝、来自英国的浮雕，再到最后的印度 [吊坠和作品]。”\n 哈南表示，“在展览中我最喜欢的物品之一是镶嵌有红宝石和绿宝石的软玉吊坠。正面，宝石形成了啄木鸟，这在波斯文学中与智慧之王所罗门相关。在莫卧儿诗歌中，贾汉吉尔常常被称为 ‘时代的所罗门’。由于其极高的质量和诗意的关联，我们认为这是为他制作的。”\n 莫卧儿帝国的大部分黄金和珠宝珍宝并没有幸存下来，因为许多在帝国衰落期间被熔化。此外，少数宝石保留了其原始的莫卧儿切割，因为后来的拥有者通常会将其重新切割以符合他们熟悉的风格——例如，库尔诺尔钻石在 1852 年被阿尔伯特王子的宝石匠重新切割，以适应欧洲的审美。\n 总部位于伦敦的 Santi Jewels 的克里希纳·乔杜里（Krishna Choudhary）既是珠宝商，也是教育者和收藏家。他采购 17 和 18 世纪的原始莫卧儿宝石以及其他历史遗物，并将其融入独一无二的作品中，这些作品既耀眼又比例协调——想象一下一个关节式的尖晶石和钻石手链，或一个带有高浮雕雕刻的绿宝石戒指。\n“重要的是要展现宝石最真实的本质，” 乔杜里说。“我确实喜欢保持永恒，以庆祝宝石，但我也想通过挑战颜色和金属的美学使用，使莫卧儿设计更具相关性。”\n“印度工匠在切割宝石方面采用了非常独特且高度发展的技术，” 哈南解释说，宝石通常被切割以增强其自然形状，同时保持其大小，而不是追求完全的无瑕。“将这些宝石重新利用到当代作品中是一项重大责任——我尽力而为，” 乔杜里补充道。“我们采购的 90% 的宝石，找不到另一件相似的作品。”\n 他强调了教育人们了解宝石历史的重要性——无论是莫卧儿的还是其他的，以及它们的来源，以帮助他们更好地理解 “你所看到的并不属于世界的某一部分”。\n“人们想要与历史联系，但 [并不总是具备背景知识]，” 乔杜里说。“[我们不能] 忘记这些宝石花了多少个世纪才到达我们这里，以及工匠花了多少小时来提升它们。向那些 [莫卧儿] 工匠致敬，他们在设计中达到了真正的启蒙。”</p>

<p>香港故宫博物院正在举办名为 “维多利亚与阿尔伯特博物馆的莫卧儿宫廷珍宝” 的展览，展出莫卧儿王朝的珠宝和文物。该展览将持续至 2026 年 2 月 23 日，突显了莫卧儿皇帝阿克巴、贾汉吉尔和沙贾汉的艺术和文化遗产。展览探讨了塑造莫卧儿设计的精湛工艺和文化影响，并提供了受莫卧儿技术启发的策展人和当代珠宝设计师的见解</p>

<p>India’s Mughal dynasty (1526–1857) was famously one when creativity, design and opulence flourished in art, architecture and adornment – in particular, jewellery. The era produced some of the world’s most beautiful objects of function and finery thanks to the blending of Persian, Islamic and Indian influences, as well as intricate craftsmanship, a deep appreciation of the materials, besides attention to symmetry and balance.\nSuch artefacts are currently on show at the Hong Kong Palace Museum as part of the exhibition “The Hong Kong Jockey Club Series: Treasures of the Mughal Court from the Victoria and Albert Museum”, which runs until February 23, 2026. The show is designed around the reigns three great Mughal emperors – Akbar (1556–1605), his son Jahangir (1605–1627) and grandson Shah Jahan (1628–1658) – and examines how their patronage shaped the court’s visual culture through jewellery, painting, textiles and architecture.\n“There is a unique beauty, sophistication and refinement to Mughal design,” says Emily Hannam, curator of South Asia at the Victoria and Albert Museum (V&amp;A). “We can credit it to the great creativity and mastery of these makers, but also the whole economic ecosystem that underpinned it.”\n\nAt its peak, the Mughal empire extended from southern India up to modern-day Kabul and across from Gujarat to Bangladesh. It was responsible for 28 per cent of the world’s industrial output up until the 18th century, and its economy surpassed that of China’s Qing dynasty and Europe, resulting in a wealthy royal court.\n“The intricacy and complexity is simply inimitable. The best jewellers and designers in India today will tell you that it’s impossible to recreate the best examples of Mughal design from the 1600s, because those skills [and ecosystem] no longer exist,” adds Hannam.\nHowever, that has not prevented today’s jewellery designers from carrying the Mughal design legacy forward, whether through honouring traditional techniques, adopting a global approach to jewellery making or merging real history into unique pieces.\n\nRajvi Vora, founder of London-based Kastur Jewels, is deeply influenced by heritage jewellery – a key reason she started making jewellery 13 years ago. Her pieces combine the splendour of the past with modern wearability and she has worked with the V&amp;A for seven years to develop exclusive collections for the museum.\n“One of the techniques I use [from the Mughal era] is kundan and we set uncut diamonds, called polki,” says Vora of her bestselling designs. Kundan uses very highly refined pure gold, meaning you can set stones just by using pressure to bond them in place. “It’s only really [done] in Rajasthan and [more specifically] Jaipur, and I think it’s still so original – even though it’s a 500-year-old technique.”\nAnother technique Vora often employs is meenakari, colourful enamel work that dates back to ancient Persia and which flourished under the Safavid dynasty in the 16th century. “The pieces we’ve created have [been] contemporised a bit, but not too much – they still have that old-school feel to them. I’m a firm believer that [traditional] techniques never go out of fashion. They’re timeless.”\n\nDuring the earliest period of the Mughal dynasty, workshops were melting pots of artists trained in different traditions. This avant-garde approach of blending cultures to create jewellery is another reason their designs still resonate today.\n“You had Iranian artists bringing Persian motifs and migrant artists from Central Asia and Europe,” says Hannam. “Then new materials [like jade and emerald] that came from China and the New World started being used in Jahangir’s reign.”\nHong Kong-based Sagiri Dayal has an international sensibility when designing for her eponymous label, like that of the Mughal approach. Rather than exclusively making historical references, she has developed her own maximalist and multicultural style that emulates the hybridity of the period.\nDayal’s eclectic pieces are harmonised by her attention to symmetry – an inherently Mughal trait. “The proportion and visual appeal [of Mughal architecture] was spectacular, which influenced the jewellery and was beautiful but also very well balanced,” she says.\n“When I started my business 17 years ago, I began with jade and Chinese knotting, which I was fascinated with. Then I started adding elements from my travels: silver from Thailand, carved gold beads from Indonesia, cloisonné from China, cameos from England, then finally, Indian [pendants and pieces].”\nHannam says, “One of my favourite objects [in the exhibition] that shows [such] cultural exchange is the nephrite jade pendant [inlaid with rubies and emeralds]. On the front, jewels form Hoopoe birds which, in Persian literature, were associated with Solomon the wise king. In Mughal poetry, Jahangir was often referred to as the ‘Solomon of the age’. Because of its incredibly high quality and the poetic association, we think it was made for him.”\nMuch of the Mughal empire’s gold and jewelled treasures did not survive, as many were melted down during the empire’s decline. In addition, few gemstones retain their original Mughal cuts, since later owners often had them recut to match the styles they were familiar with – for example, the Koh-i-noor diamond was recut in 1852 by Prince Albert’s lapidary to suit European tastes.\nKrishna Choudhary of the London-based Santi Jewels is equal parts jeweller, educator and collector. He sources original 17th and 18th century Mughal gemstones as well as other historical relics, and incorporates them into one-of-a-kind pieces that are dazzling yet proportionate – think an articulated spinel and diamond bracelet or an emerald ring with high-relief carvings.\n\n“It’s important to bring out the stone in its truest nature,” says Choudhary. “I do like to stay timeless to celebrate the stone, but I also want to make Mughal designs more relevant by challenging the aesthetic use of colour and metals.”\n“Indian craftsmen practised very unique and highly developed techniques in stone cutting,” says Hannam, explaining that gemstones were often cut to enhance their natural shape while retaining their size, rather than achieving total flawlessness.\n“It’s a big responsibility to take these stones and repurpose them into contemporary pieces – I try my best,” adds Choudhary. “Ninety per cent of what we’ve sourced, we don’t find another piece like it.”\nHe emphasises the importance of educating people about the history of gemstones – Mughal and other – and where they originate from, to help them better understand that “what you’re looking at is not categorised as one part of the world”.\n“People want to connect to history, but [don’t always have contextual knowledge],” says Choudhary. “[We can’t] forget how many centuries it took for [these gemstones] to arrive to us, and how many hours craftsmen took to enhance them. Hats off to those [Mughal] craftsmen, they’ve attained true enlightenment in their designs.”\n</p>
<div class="lb-trans"><p>印度的莫卧儿王朝（1526–1857）以其艺术、建筑和装饰，尤其是珠宝的创造力、设计和奢华而闻名。这个时代融合了波斯、伊斯兰和印度的影响，以及精湛的工艺、对材料的深刻理解，以及对对称和平衡的关注，创造出了一些世界上最美丽的功能性和华丽物品。\n 这些文物目前在香港故宫博物院展出，作为 “香港赛马会系列：维多利亚和阿尔伯特博物馆的莫卧儿宫廷珍宝” 展览的一部分，展览将持续到 2026 年 2 月 23 日。展览围绕三位伟大的莫卧儿皇帝的统治而设计——阿克巴尔（1556–1605）、他的儿子贾汉吉尔（1605–1627）和孙子沙贾汉（1628–1658），并探讨他们的赞助如何通过珠宝、绘画、纺织品和建筑塑造宫廷的视觉文化。\n“莫卧儿设计具有独特的美感、复杂性和精致感，” 维多利亚和阿尔伯特博物馆（V&amp;A）南亚策展人艾米莉·哈南（Emily Hannam）表示。“我们可以将其归功于这些创作者的巨大创造力和技艺，但也要归功于支撑这一切的整个经济生态系统。”\n 在其巅峰时期，莫卧儿帝国的疆域从南印度延伸到现代的喀布尔，横跨古吉拉特到孟加拉国。直到 18 世纪，它负责全球 28% 的工业产出，其经济超过了中国的清朝和欧洲，导致了一个富裕的皇家宫廷。\n“其复杂性和精致感是无可比拟的。今天印度最优秀的珠宝商和设计师会告诉你，重现 17 世纪莫卧儿设计的最佳范例是不可能的，因为那些技能 [和生态系统] 已经不存在了，” 哈南补充道。\n 然而，这并没有阻止今天的珠宝设计师继续传承莫卧儿设计的遗产，无论是通过尊重传统技艺，采用全球化的珠宝制作方法，还是将真实历史融入独特的作品中。\n 伦敦 Kastur Jewels 的创始人拉吉维·沃拉（Rajvi Vora）深受传统珠宝的影响，这也是她 13 年前开始制作珠宝的一个关键原因。她的作品将过去的辉煌与现代的可穿戴性结合在一起，并与 V&amp;A 合作了七年，为博物馆开发独家系列。\n“我使用的其中一种技术 [来自莫卧儿时代] 是 kundan，我们用未切割的钻石，称为 polki，” 沃拉谈到她的畅销设计。Kundan 使用非常精炼的纯金，这意味着你可以仅通过施加压力将宝石固定到位。“这项技术实际上只在拉贾斯坦州，[更具体地说] 在斋浦尔进行，我认为它仍然是如此原始——尽管它是一项 500 年的技术。”\n 沃拉经常使用的另一种技术是 meenakari，这是一种色彩丰富的珐琅工艺，起源于古波斯，并在 16 世纪的萨法维王朝时期蓬勃发展。“我们创造的作品已经 [稍微] 现代化，但并没有过多改动——它们仍然保留着那种老派的感觉。我坚信 [传统] 技艺永远不会过时。它们是永恒的。”\n 在莫卧儿王朝的早期，工坊是受过不同传统训练的艺术家的熔炉。这种将文化融合以创造珠宝的前卫方法是他们设计至今仍然引起共鸣的另一个原因。\n“你有伊朗艺术家带来波斯图案，还有来自中亚和欧洲的移民艺术家，” 哈南说。“然后新的材料 [如翡翠和绿宝石] 在贾汉吉尔的统治时期开始被使用。”\n 总部位于香港的萨吉里·达亚尔（Sagiri Dayal）在为她的同名品牌设计时具有国际视野，类似于莫卧儿的设计方法。她并不单纯制作历史参考，而是发展出自己极简主义和多元文化的风格，模仿那个时期的混合性。\n 达亚尔的多样化作品通过她对对称的关注得以和谐统一——这是一种固有的莫卧儿特征。“莫卧儿建筑的比例和视觉吸引力是壮观的，这影响了珠宝的设计，既美丽又非常平衡，” 她说。\n“当我 17 年前开始我的生意时，我从翡翠和中国结开始，这让我着迷。然后我开始添加我旅行中的元素：来自泰国的银、来自印度尼西亚的雕刻金珠、来自中国的景泰蓝、来自英国的浮雕，再到最后的印度 [吊坠和作品]。”\n 哈南表示，“在展览中我最喜欢的物品之一是镶嵌有红宝石和绿宝石的软玉吊坠。正面，宝石形成了啄木鸟，这在波斯文学中与智慧之王所罗门相关。在莫卧儿诗歌中，贾汉吉尔常常被称为 ‘时代的所罗门’。由于其极高的质量和诗意的关联，我们认为这是为他制作的。”\n 莫卧儿帝国的大部分黄金和珠宝珍宝并没有幸存下来，因为许多在帝国衰落期间被熔化。此外，少数宝石保留了其原始的莫卧儿切割，因为后来的拥有者通常会将其重新切割以符合他们熟悉的风格——例如，库尔诺尔钻石在 1852 年被阿尔伯特王子的宝石匠重新切割，以适应欧洲的审美。\n 总部位于伦敦的 Santi Jewels 的克里希纳·乔杜里（Krishna Choudhary）既是珠宝商，也是教育者和收藏家。他采购 17 和 18 世纪的原始莫卧儿宝石以及其他历史遗物，并将其融入独一无二的作品中，这些作品既耀眼又比例协调——想象一下一个关节式的尖晶石和钻石手链，或一个带有高浮雕雕刻的绿宝石戒指。\n“重要的是要展现宝石最真实的本质，” 乔杜里说。“我确实喜欢保持永恒，以庆祝宝石，但我也想通过挑战颜色和金属的美学使用，使莫卧儿设计更具相关性。”\n“印度工匠在切割宝石方面采用了非常独特且高度发展的技术，” 哈南解释说，宝石通常被切割以增强其自然形状，同时保持其大小，而不是追求完全的无瑕。“将这些宝石重新利用到当代作品中是一项重大责任——我尽力而为，” 乔杜里补充道。“我们采购的 90% 的宝石，找不到另一件相似的作品。”\n 他强调了教育人们了解宝石历史的重要性——无论是莫卧儿的还是其他的，以及它们的来源，以帮助他们更好地理解 “你所看到的并不属于世界的某一部分”。\n“人们想要与历史联系，但 [并不总是具备背景知识]，” 乔杜里说。“[我们不能] 忘记这些宝石花了多少个世纪才到达我们这里，以及工匠花了多少小时来提升它们。向那些 [莫卧儿] 工匠致敬，他们在设计中达到了真正的启蒙。”</p>
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莫卧儿珠宝在香港故宫博物馆展览中大放异彩