<p>印度的莫卧兒王朝（1526–1857）以其藝術、建築和裝飾，尤其是珠寶的創造力、設計和奢華而聞名。這個時代融合了波斯、伊斯蘭和印度的影響，以及精湛的工藝、對材料的深刻理解，以及對對稱和平衡的關注，創造出了一些世界上最美麗的功能性和華麗物品。\n 這些文物目前在香港故宮博物院展出，作為 “香港賽馬會系列：維多利亞和阿爾伯特博物館的莫卧兒宮廷珍寶” 展覽的一部分，展覽將持續到 2026 年 2 月 23 日。展覽圍繞三位偉大的莫卧兒皇帝的統治而設計——阿克巴爾（1556–1605）、他的兒子賈漢吉爾（1605–1627）和孫子沙賈漢（1628–1658），並探討他們的贊助如何通過珠寶、繪畫、紡織品和建築塑造宮廷的視覺文化。\n“莫卧兒設計具有獨特的美感、複雜性和精緻感，” 維多利亞和阿爾伯特博物館（V&amp;A）南亞策展人艾米莉·哈南（Emily Hannam）表示。“我們可以將其歸功於這些創作者的巨大創造力和技藝，但也要歸功於支撐這一切的整個經濟生態系統。”\n 在其巔峯時期，莫卧兒帝國的疆域從南印度延伸到現代的喀布爾，橫跨古吉拉特到孟加拉國。直到 18 世紀，它負責全球 28% 的工業產出，其經濟超過了中國的清朝和歐洲，導致了一個富裕的皇家宮廷。\n“其複雜性和精緻感是無可比擬的。今天印度最優秀的珠寶商和設計師會告訴你，重現 17 世紀莫卧兒設計的最佳範例是不可能的，因為那些技能 [和生態系統] 已經不存在了，” 哈南補充道。\n 然而，這並沒有阻止今天的珠寶設計師繼續傳承莫卧兒設計的遺產，無論是通過尊重傳統技藝，採用全球化的珠寶製作方法，還是將真實歷史融入獨特的作品中。\n 倫敦 Kastur Jewels 的創始人拉吉維·沃拉（Rajvi Vora）深受傳統珠寶的影響，這也是她 13 年前開始製作珠寶的一個關鍵原因。她的作品將過去的輝煌與現代的可穿戴性結合在一起，並與 V&amp;A 合作了七年，為博物館開發獨家系列。\n“我使用的其中一種技術 [來自莫卧兒時代] 是 kundan，我們用未切割的鑽石，稱為 polki，” 沃拉談到她的暢銷設計。Kundan 使用非常精煉的純金，這意味着你可以僅通過施加壓力將寶石固定到位。“這項技術實際上只在拉賈斯坦州，[更具體地説] 在齋浦爾進行，我認為它仍然是如此原始——儘管它是一項 500 年的技術。”\n 沃拉經常使用的另一種技術是 meenakari，這是一種色彩豐富的琺琅工藝，起源於古波斯，並在 16 世紀的薩法維王朝時期蓬勃發展。“我們創造的作品已經 [稍微] 現代化，但並沒有過多改動——它們仍然保留着那種老派的感覺。我堅信 [傳統] 技藝永遠不會過時。它們是永恆的。”\n 在莫卧兒王朝的早期，工坊是受過不同傳統訓練的藝術家的熔爐。這種將文化融合以創造珠寶的前衞方法是他們設計至今仍然引起共鳴的另一個原因。\n“你有伊朗藝術家帶來波斯圖案，還有來自中亞和歐洲的移民藝術家，” 哈南説。“然後新的材料 [如翡翠和綠寶石] 在賈漢吉爾的統治時期開始被使用。”\n 總部位於香港的薩吉里·達亞爾（Sagiri Dayal）在為她的同名品牌設計時具有國際視野，類似於莫卧兒的設計方法。她並不單純製作歷史參考，而是發展出自己極簡主義和多元文化的風格，模仿那個時期的混合性。\n 達亞爾的多樣化作品通過她對對稱的關注得以和諧統一——這是一種固有的莫卧兒特徵。“莫卧兒建築的比例和視覺吸引力是壯觀的，這影響了珠寶的設計，既美麗又非常平衡，” 她説。\n“當我 17 年前開始我的生意時，我從翡翠和中國結開始，這讓我着迷。然後我開始添加我旅行中的元素：來自泰國的銀、來自印度尼西亞的雕刻金珠、來自中國的景泰藍、來自英國的浮雕，再到最後的印度 [吊墜和作品]。”\n 哈南表示，“在展覽中我最喜歡的物品之一是鑲嵌有紅寶石和綠寶石的軟玉吊墜。正面，寶石形成了啄木鳥，這在波斯文學中與智慧之王所羅門相關。在莫卧兒詩歌中，賈漢吉爾常常被稱為 ‘時代的所羅門’。由於其極高的質量和詩意的關聯，我們認為這是為他製作的。”\n 莫卧兒帝國的大部分黃金和珠寶珍寶並沒有倖存下來，因為許多在帝國衰落期間被熔化。此外，少數寶石保留了其原始的莫卧兒切割，因為後來的擁有者通常會將其重新切割以符合他們熟悉的風格——例如，庫爾諾爾鑽石在 1852 年被阿爾伯特王子的寶石匠重新切割，以適應歐洲的審美。\n 總部位於倫敦的 Santi Jewels 的克里希納·喬杜裏（Krishna Choudhary）既是珠寶商，也是教育者和收藏家。他採購 17 和 18 世紀的原始莫卧兒寶石以及其他歷史遺物，並將其融入獨一無二的作品中，這些作品既耀眼又比例協調——想象一下一個關節式的尖晶石和鑽石手鍊，或一個帶有高浮雕雕刻的綠寶石戒指。\n“重要的是要展現寶石最真實的本質，” 喬杜裏説。“我確實喜歡保持永恆，以慶祝寶石，但我也想通過挑戰顏色和金屬的美學使用，使莫卧兒設計更具相關性。”\n“印度工匠在切割寶石方面採用了非常獨特且高度發展的技術，” 哈南解釋説，寶石通常被切割以增強其自然形狀，同時保持其大小，而不是追求完全的無瑕。“將這些寶石重新利用到當代作品中是一項重大責任——我盡力而為，” 喬杜裏補充道。“我們採購的 90% 的寶石，找不到另一件相似的作品。”\n 他強調了教育人們瞭解寶石歷史的重要性——無論是莫卧兒的還是其他的，以及它們的來源，以幫助他們更好地理解 “你所看到的並不屬於世界的某一部分”。\n“人們想要與歷史聯繫，但 [並不總是具備背景知識]，” 喬杜裏説。“[我們不能] 忘記這些寶石花了多少個世紀才到達我們這裏，以及工匠花了多少小時來提升它們。向那些 [莫卧兒] 工匠致敬，他們在設計中達到了真正的啓蒙。”</p>

<p>香港故宮博物院正在舉辦名為 “維多利亞與阿爾伯特博物館的莫卧兒宮廷珍寶” 的展覽，展出莫卧兒王朝的珠寶和文物。該展覽將持續至 2026 年 2 月 23 日，突顯了莫卧兒皇帝阿克巴、賈漢吉爾和沙賈漢的藝術和文化遺產。展覽探討了塑造莫卧兒設計的精湛工藝和文化影響，並提供了受莫卧兒技術啓發的策展人和當代珠寶設計師的見解</p>

<p>India’s Mughal dynasty (1526–1857) was famously one when creativity, design and opulence flourished in art, architecture and adornment – in particular, jewellery. The era produced some of the world’s most beautiful objects of function and finery thanks to the blending of Persian, Islamic and Indian influences, as well as intricate craftsmanship, a deep appreciation of the materials, besides attention to symmetry and balance.\nSuch artefacts are currently on show at the Hong Kong Palace Museum as part of the exhibition “The Hong Kong Jockey Club Series: Treasures of the Mughal Court from the Victoria and Albert Museum”, which runs until February 23, 2026. The show is designed around the reigns three great Mughal emperors – Akbar (1556–1605), his son Jahangir (1605–1627) and grandson Shah Jahan (1628–1658) – and examines how their patronage shaped the court’s visual culture through jewellery, painting, textiles and architecture.\n“There is a unique beauty, sophistication and refinement to Mughal design,” says Emily Hannam, curator of South Asia at the Victoria and Albert Museum (V&amp;A). “We can credit it to the great creativity and mastery of these makers, but also the whole economic ecosystem that underpinned it.”\n\nAt its peak, the Mughal empire extended from southern India up to modern-day Kabul and across from Gujarat to Bangladesh. It was responsible for 28 per cent of the world’s industrial output up until the 18th century, and its economy surpassed that of China’s Qing dynasty and Europe, resulting in a wealthy royal court.\n“The intricacy and complexity is simply inimitable. The best jewellers and designers in India today will tell you that it’s impossible to recreate the best examples of Mughal design from the 1600s, because those skills [and ecosystem] no longer exist,” adds Hannam.\nHowever, that has not prevented today’s jewellery designers from carrying the Mughal design legacy forward, whether through honouring traditional techniques, adopting a global approach to jewellery making or merging real history into unique pieces.\n\nRajvi Vora, founder of London-based Kastur Jewels, is deeply influenced by heritage jewellery – a key reason she started making jewellery 13 years ago. Her pieces combine the splendour of the past with modern wearability and she has worked with the V&amp;A for seven years to develop exclusive collections for the museum.\n“One of the techniques I use [from the Mughal era] is kundan and we set uncut diamonds, called polki,” says Vora of her bestselling designs. Kundan uses very highly refined pure gold, meaning you can set stones just by using pressure to bond them in place. “It’s only really [done] in Rajasthan and [more specifically] Jaipur, and I think it’s still so original – even though it’s a 500-year-old technique.”\nAnother technique Vora often employs is meenakari, colourful enamel work that dates back to ancient Persia and which flourished under the Safavid dynasty in the 16th century. “The pieces we’ve created have [been] contemporised a bit, but not too much – they still have that old-school feel to them. I’m a firm believer that [traditional] techniques never go out of fashion. They’re timeless.”\n\nDuring the earliest period of the Mughal dynasty, workshops were melting pots of artists trained in different traditions. This avant-garde approach of blending cultures to create jewellery is another reason their designs still resonate today.\n“You had Iranian artists bringing Persian motifs and migrant artists from Central Asia and Europe,” says Hannam. “Then new materials [like jade and emerald] that came from China and the New World started being used in Jahangir’s reign.”\nHong Kong-based Sagiri Dayal has an international sensibility when designing for her eponymous label, like that of the Mughal approach. Rather than exclusively making historical references, she has developed her own maximalist and multicultural style that emulates the hybridity of the period.\nDayal’s eclectic pieces are harmonised by her attention to symmetry – an inherently Mughal trait. “The proportion and visual appeal [of Mughal architecture] was spectacular, which influenced the jewellery and was beautiful but also very well balanced,” she says.\n“When I started my business 17 years ago, I began with jade and Chinese knotting, which I was fascinated with. Then I started adding elements from my travels: silver from Thailand, carved gold beads from Indonesia, cloisonné from China, cameos from England, then finally, Indian [pendants and pieces].”\nHannam says, “One of my favourite objects [in the exhibition] that shows [such] cultural exchange is the nephrite jade pendant [inlaid with rubies and emeralds]. On the front, jewels form Hoopoe birds which, in Persian literature, were associated with Solomon the wise king. In Mughal poetry, Jahangir was often referred to as the ‘Solomon of the age’. Because of its incredibly high quality and the poetic association, we think it was made for him.”\nMuch of the Mughal empire’s gold and jewelled treasures did not survive, as many were melted down during the empire’s decline. In addition, few gemstones retain their original Mughal cuts, since later owners often had them recut to match the styles they were familiar with – for example, the Koh-i-noor diamond was recut in 1852 by Prince Albert’s lapidary to suit European tastes.\nKrishna Choudhary of the London-based Santi Jewels is equal parts jeweller, educator and collector. He sources original 17th and 18th century Mughal gemstones as well as other historical relics, and incorporates them into one-of-a-kind pieces that are dazzling yet proportionate – think an articulated spinel and diamond bracelet or an emerald ring with high-relief carvings.\n\n“It’s important to bring out the stone in its truest nature,” says Choudhary. “I do like to stay timeless to celebrate the stone, but I also want to make Mughal designs more relevant by challenging the aesthetic use of colour and metals.”\n“Indian craftsmen practised very unique and highly developed techniques in stone cutting,” says Hannam, explaining that gemstones were often cut to enhance their natural shape while retaining their size, rather than achieving total flawlessness.\n“It’s a big responsibility to take these stones and repurpose them into contemporary pieces – I try my best,” adds Choudhary. “Ninety per cent of what we’ve sourced, we don’t find another piece like it.”\nHe emphasises the importance of educating people about the history of gemstones – Mughal and other – and where they originate from, to help them better understand that “what you’re looking at is not categorised as one part of the world”.\n“People want to connect to history, but [don’t always have contextual knowledge],” says Choudhary. “[We can’t] forget how many centuries it took for [these gemstones] to arrive to us, and how many hours craftsmen took to enhance them. Hats off to those [Mughal] craftsmen, they’ve attained true enlightenment in their designs.”\n</p>
<div class="lb-trans"><p>印度的莫卧兒王朝（1526–1857）以其藝術、建築和裝飾，尤其是珠寶的創造力、設計和奢華而聞名。這個時代融合了波斯、伊斯蘭和印度的影響，以及精湛的工藝、對材料的深刻理解，以及對對稱和平衡的關注，創造出了一些世界上最美麗的功能性和華麗物品。\n 這些文物目前在香港故宮博物院展出，作為 “香港賽馬會系列：維多利亞和阿爾伯特博物館的莫卧兒宮廷珍寶” 展覽的一部分，展覽將持續到 2026 年 2 月 23 日。展覽圍繞三位偉大的莫卧兒皇帝的統治而設計——阿克巴爾（1556–1605）、他的兒子賈漢吉爾（1605–1627）和孫子沙賈漢（1628–1658），並探討他們的贊助如何通過珠寶、繪畫、紡織品和建築塑造宮廷的視覺文化。\n“莫卧兒設計具有獨特的美感、複雜性和精緻感，” 維多利亞和阿爾伯特博物館（V&amp;A）南亞策展人艾米莉·哈南（Emily Hannam）表示。“我們可以將其歸功於這些創作者的巨大創造力和技藝，但也要歸功於支撐這一切的整個經濟生態系統。”\n 在其巔峯時期，莫卧兒帝國的疆域從南印度延伸到現代的喀布爾，橫跨古吉拉特到孟加拉國。直到 18 世紀，它負責全球 28% 的工業產出，其經濟超過了中國的清朝和歐洲，導致了一個富裕的皇家宮廷。\n“其複雜性和精緻感是無可比擬的。今天印度最優秀的珠寶商和設計師會告訴你，重現 17 世紀莫卧兒設計的最佳範例是不可能的，因為那些技能 [和生態系統] 已經不存在了，” 哈南補充道。\n 然而，這並沒有阻止今天的珠寶設計師繼續傳承莫卧兒設計的遺產，無論是通過尊重傳統技藝，採用全球化的珠寶製作方法，還是將真實歷史融入獨特的作品中。\n 倫敦 Kastur Jewels 的創始人拉吉維·沃拉（Rajvi Vora）深受傳統珠寶的影響，這也是她 13 年前開始製作珠寶的一個關鍵原因。她的作品將過去的輝煌與現代的可穿戴性結合在一起，並與 V&amp;A 合作了七年，為博物館開發獨家系列。\n“我使用的其中一種技術 [來自莫卧兒時代] 是 kundan，我們用未切割的鑽石，稱為 polki，” 沃拉談到她的暢銷設計。Kundan 使用非常精煉的純金，這意味着你可以僅通過施加壓力將寶石固定到位。“這項技術實際上只在拉賈斯坦州，[更具體地説] 在齋浦爾進行，我認為它仍然是如此原始——儘管它是一項 500 年的技術。”\n 沃拉經常使用的另一種技術是 meenakari，這是一種色彩豐富的琺琅工藝，起源於古波斯，並在 16 世紀的薩法維王朝時期蓬勃發展。“我們創造的作品已經 [稍微] 現代化，但並沒有過多改動——它們仍然保留着那種老派的感覺。我堅信 [傳統] 技藝永遠不會過時。它們是永恆的。”\n 在莫卧兒王朝的早期，工坊是受過不同傳統訓練的藝術家的熔爐。這種將文化融合以創造珠寶的前衞方法是他們設計至今仍然引起共鳴的另一個原因。\n“你有伊朗藝術家帶來波斯圖案，還有來自中亞和歐洲的移民藝術家，” 哈南説。“然後新的材料 [如翡翠和綠寶石] 在賈漢吉爾的統治時期開始被使用。”\n 總部位於香港的薩吉里·達亞爾（Sagiri Dayal）在為她的同名品牌設計時具有國際視野，類似於莫卧兒的設計方法。她並不單純製作歷史參考，而是發展出自己極簡主義和多元文化的風格，模仿那個時期的混合性。\n 達亞爾的多樣化作品通過她對對稱的關注得以和諧統一——這是一種固有的莫卧兒特徵。“莫卧兒建築的比例和視覺吸引力是壯觀的，這影響了珠寶的設計，既美麗又非常平衡，” 她説。\n“當我 17 年前開始我的生意時，我從翡翠和中國結開始，這讓我着迷。然後我開始添加我旅行中的元素：來自泰國的銀、來自印度尼西亞的雕刻金珠、來自中國的景泰藍、來自英國的浮雕，再到最後的印度 [吊墜和作品]。”\n 哈南表示，“在展覽中我最喜歡的物品之一是鑲嵌有紅寶石和綠寶石的軟玉吊墜。正面，寶石形成了啄木鳥，這在波斯文學中與智慧之王所羅門相關。在莫卧兒詩歌中，賈漢吉爾常常被稱為 ‘時代的所羅門’。由於其極高的質量和詩意的關聯，我們認為這是為他製作的。”\n 莫卧兒帝國的大部分黃金和珠寶珍寶並沒有倖存下來，因為許多在帝國衰落期間被熔化。此外，少數寶石保留了其原始的莫卧兒切割，因為後來的擁有者通常會將其重新切割以符合他們熟悉的風格——例如，庫爾諾爾鑽石在 1852 年被阿爾伯特王子的寶石匠重新切割，以適應歐洲的審美。\n 總部位於倫敦的 Santi Jewels 的克里希納·喬杜裏（Krishna Choudhary）既是珠寶商，也是教育者和收藏家。他採購 17 和 18 世紀的原始莫卧兒寶石以及其他歷史遺物，並將其融入獨一無二的作品中，這些作品既耀眼又比例協調——想象一下一個關節式的尖晶石和鑽石手鍊，或一個帶有高浮雕雕刻的綠寶石戒指。\n“重要的是要展現寶石最真實的本質，” 喬杜裏説。“我確實喜歡保持永恆，以慶祝寶石，但我也想通過挑戰顏色和金屬的美學使用，使莫卧兒設計更具相關性。”\n“印度工匠在切割寶石方面採用了非常獨特且高度發展的技術，” 哈南解釋説，寶石通常被切割以增強其自然形狀，同時保持其大小，而不是追求完全的無瑕。“將這些寶石重新利用到當代作品中是一項重大責任——我盡力而為，” 喬杜裏補充道。“我們採購的 90% 的寶石，找不到另一件相似的作品。”\n 他強調了教育人們瞭解寶石歷史的重要性——無論是莫卧兒的還是其他的，以及它們的來源，以幫助他們更好地理解 “你所看到的並不屬於世界的某一部分”。\n“人們想要與歷史聯繫，但 [並不總是具備背景知識]，” 喬杜裏説。“[我們不能] 忘記這些寶石花了多少個世紀才到達我們這裏，以及工匠花了多少小時來提升它們。向那些 [莫卧兒] 工匠致敬，他們在設計中達到了真正的啓蒙。”</p>
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莫卧兒珠寶在香港故宮博物館展覽中大放異彩